EL OLOR DEL SEXO Y LA MUERTE, REPRESENTAN COSAS QUE YO NO PUEDO CUIDAR

Con bastante retraso (se ve que no nos quieren), llega: Planeta Terror (Planet Terror), esto es base de un proyecto denominado: Grindhouse; alentado por la dupla: Robert Rodríguez y Quentin Tarantino. Esta realización intenta ser un homenaje o tratar de devolverle a la vida un género de serie B, caracterizado más por sus errores fílmicos, bajo presupuesto y una cuestionada o admirada producción.

En un poblado seremos testigos de un “accidental” contagio de un químico militar que convierte a las personas en zombis. Sólo un par de personas como la bailarina (Rose McGowan), un ex-bandolero (Freddy Rodríguez), una doctora lesbiana (Marley Shelton) y el comisario del lugar (Michael Biehn) serán los abanderados en luchar contra los zombis y llegar a la raíz del problema, centrado en un militar (Bruce Willis) ambicioso.

Realmente no se si explayarme o hacer corto este comentario, un guión tan confuso y caótico; eso se compensa con la acción pero llegada al extremo de lo absurdo; me recuerda a “Baywacth” a falta de argumento que salgan las chicas en bikini, así se salva el episodio y hasta la siguiente temporada.

Gran parte de la acción se complementa (aparte de la sangre y asquerosidad) con cuotas de humor negro (también al extremo) eso es concentrado con la bailarina quien quedara coja y su prótesis será un arma parecida a la de Schwarzenegger en “Depredador”; puede haber diferencias pero si que ambos la saben usar con eficacia.

Entre tanto caos, destrucción sangre y más hallamos a varios actores conocidos (al menos en esta entrega y quizás de lo poco positivo que nos deje el film) como: Bruce Willis (con una breve y olvidable aparición), Michael Biehn (antiguo luchador contra Terminator y Aliens repite la misma faceta es decir nadar tanto para morir en la playa), Josh Brolin (gran actor en cualquier film, aunque sea en esta rara realización), Marley Shelton (recordada en la primeras escenas de Sin City, ahora con este revoltijo me deja en duda si debo verla de forma grotesca o bella) y Quentin Tarantino en un corto papel, finiquitado con un repulsivo final digno al estilo que le gusta.

Hay escenas rescatables, la parte que Dakota (Marley Shelton) le deja una pistola a su hijo para que se defienda pero el infante malinterpreta el mensaje y ocurre un triste episodio. Otra es la escena de amor entre Wray (Freddy Rodríguez) y Cherry (Rose McGowan) al acercarse al clímax se ve un mensaje que dice que se perdió el rollo y nos vemos en otra secuencia ¿Qué sucedió?; un misterio. También señalamos el adelanto del film: Machete, no se la vayan a creer ese trailer falso eso será una constante en Death Proof, la otra parte de este diseño llamado: Grindhouse, el cual lo veremos aquí en un par de meses.

Así tenemos muchos ingredientes, acción y sangre desmedida (para sus seguidores le encontraran más elementos vigorizantes), seductoras mujeres (diríamos que Cherry tendría una influencia en la serie animada japonesa Cobra y convertida en el emblema de este proyecto) y la plasmación de dos directores creyendo que esto se convierta en una película de culto o para incultos.

YO CONSIGO ESPANTARLOS SIMPLEMENTE CON VERLOS EN LA CALLE

El año pasado Clint Eastwood, anuncio con su film: Gran Torino, seria su última actuación de este multifacético artista del celuloide norteamericano; y ante tal anuncio genero que muchos nos aprestemos a asistir a las salas y ser testigos de esta realización.

Walt Kowalski (Clint Eastwood), ex-soldado del conflicto con Corea, conservador, renuente a los cambios, poco sociable; agravado con la muerte de su esposa, se convierte en el único residente antiguo del barrio. A esto nuevos vecinos llegan al barrio, entre ellos asiáticos. Al señor Kowalski, esto le desagrada y prefiere interesarse por su perra, “Daisy” y su auto un Gran Torino del 72; este objeto será el pretexto ideal para pedirle al viejo Walt, que se lo dejen por las buenas (amigos o familiares) o “las malas” (pandilleros de la zona) su preciado tesoro.

El enfoque de la trama, se concentra primero en conocer la vida de Walt Kowalski, encerrado en su soledad, no tiene aspiraciones y convive con sus luchas internas, esto cambia solo con sus conocidos principalmente al interactuar con sus vecinos asiáticos, quien salva de forma involuntaria a uno de ellos de ser arrastrado de ser parte de una pandilla del barrio. Así se involucra gradualmente con los jóvenes, luego con toda la familia y los terminara aceptando tal como son.

Eastwood, arma y dirige una historia simple y simpática incluso usando elementos ya clásicos en su carrera de “hombre rudo del cine”. Lo que le tomo hacer la película es prodigioso, teniendo en cuenta que antes hizo: El Substituto (Changeling) y ahora esta y ya en planes de hacer una nueva película sobre Nelson Mandela (The Human Factor centrado sobre su primer mandato como presidente de Sudáfrica en 1995) como suelo decir: “este viejo no se cansa nunca”.

Entre lo destacable es que habiendo hecho esta realización (por el tiempo de producción) no haya recibido nominaciones a Los Oscars, al menos como director, por que con un grupo de actores en su mayoría desconocidos y con presupuesto algo austero; saque un producto optimo y (el consuelo de las productoras) rentable en los muchos lugares que ha sido exhibido.

La prudencia y elementos vistos son admirables (la mejor escena es la “voluntaria” confesión con el cura de la comunidad y la real confesión que declarara el viejo soldado ante el joven asiático Thao, carente de coraje). También se cuenta su lado cómico e irónico, plasmada por los familiares de Walt, no congenian para nada con él, de este modo, el viejo los invitara a regresar por el lugar de donde vinieron.

El gran puntal del film, lo encuentro en la interacción de sus (transitorios) personajes los dos jóvenes asiáticos Thao (Bee Vang) y Sue (Ahney Her). Thao lo notamos como el pequeño saltamontes del señor Kowalski, al principio no le encuentra empatía, pero le dará la razón y lo vera como un buen ejemplo a seguir. Sue por el contrario tiene sus agallas y se gana la confianza del viejo gruñón, así se vuelve en una guía para Walt ante su familia y sus ajenas costumbres.

Un detalle anecdótico en Gran Torino, este en presentar a Walt Kowalski, como un hombre quejoso, rabioso con todo lo foráneo y se siente tan patriota y nacionalista; me pregunto: ¿Es él un oriundo personaje norteamericano?, con un apellido procedente de Europa y me representa una inseguridad en lo que veo o es un síntoma de vaguedad mental que lo dejo pasar (adrede) su veterano director.

AGOTADO Y DOLIENTE, QUIERO VIRAR LA CORRIENTE Y ASÍ DECLARO MIS BUENAS NOCHES

Luego de ver: El Llanto de la Mariposa (su titulo real es: Le Scaphandre Et Le Papillon y debió traducirse como: La Escafandra y la Mariposa), quede admirado y satisfecho de haber asistido al cine al ver una realización de gran valor, originalidad y puesta de escena. Esta es la obra del director francés, Julian Schnabel, que a decir de muchos es su mejor obra. Aunque sea del 2007 esta cinta viene precedida de mucha fama y galardones, con producciones como esta, vale la pena escribir unas líneas en este pequeño espacio en el gran universo de la cibercultura.

Esta historia (real) nos cuenta la vida de Jean-Dominique Bauby (Mathieu Amalric), un hombre de éxito que sufre un grave accidente que lo postra en cama, sufre casi una parálisis total, puede escuchar y solo se puede comunicar por medio de su ojo izquierdo. La medicina prescribe que el paciente sufre de la atípica enfermedad del encierro; se le promete asistencia para darle una calidad de vida pese a su estado. Por otro lado, Jean-Dominique, buscara quedarse en la autocompasión o intentar luchar y valerse por si mismo.

Jean-Dominique Bauby, existió en la vida real, sufrió dicho estado, vivió con esa contrariedad y pudo hacer (y auxiliado) un libro que da el nombre de la película, inspirado al verse en esa condición, se comparo estar atrapado en un traje submarino de gran profundidad, incapaz de moverse; solo pudo ver el logro de su hazaña por diez días, después fallecería a los 43 años de edad.

El Llanto de la Mariposa, no es un film que nos deba dar pena desde el comienzo, por el contrario su director, Julian Schnabel, nos describe la situación con parte de humor, ironía y sarcasmo. Con las trabas que se le presenta a esta persona, él mismo comprenderá que no se debe darse lastima permanentemente. Incluso nos muestra que en ocasiones muchas pruebas médicas no siempre diagnostican los verdaderos males que padecen los seres humanos.

Existen varios actos con notables significados; el disgusto de Jean-Dominique, por la venida del domingo para él, englobado en el silencio de la clínica, una clara alusión al titulo de la cinta. La afirmación de éste de escapar por medio de la imaginación, algo que lo ayuda mucho en las etapas difíciles. La evocación de recuerdos de cómo fue su vida y juega con los nuevos eventos en la que vive. El trato de Jean-Dominique y su padre, el hijo cuida a su padre ya anciano, ambos hablan sobre una impresión futura similar a, El Conde de Montecristo, sin embargo, la rueda del destino girara con este argumento en varios pasajes del film.

Los personajes también están a la altura, mayores palmas para Mathieu Amalric, en el rol principal, dudo que con estos trabajos los reconocimientos no se hagan esperar a futuro. Henriette Durand (Marie-Josée Croze) la terapista de lenguaje, quien será como nuestra traductora, de las inquietudes positivas y negativas de Jean-Dominique. Los detalles técnicos también aparecen en buena medida, esto es en la ubicación de la cámara (el inicio con sombras, difuminación cada una de ellas encierra varias señales), dando la apariencia de estar conllevando las sensaciones de esta persona.

Esta película intenta orientarse con la eutanasia, pero se distancia notoriamente de ejemplos como: Mar Adentro o Million Dollar Baby; este film nos da una muestra de vida, podemos llegar lo mas lejos que podamos, si nosotros mismos nos proponemos a hacerlo. Puede ser que la adversidades o incluso la cercanía a la muerte, sea un obstáculo, pero quizás que no lo sea, sino otra etapa en la que evolucionamos.

EN DISTINTOS LUGARES, PERCIBO EL BRAMIDO DE LA MARCHA QUE COBRA MÁS Y MÁS FUERZA

El nombre de Ernesto Guevara, ha traspasado las fronteras ya ahora el cine decide tomarse un tiempo a uno de los personajes mas celebres del siglo pasado. Por su largo recorrido una película no es suficiente para su director, Steven Soderbergh, decidió dividirla en dos etapas, por el momento nos ocuparemos de la primera: Che : El Argentino (Che: The Argentine) y el papel principal estuvo a cargo al actor de origen latino, Benicio Del Toro.

Che: El Argentino, nos muestra muchos momentos en la vida de Ernesto “Che” Guevara (Benicio Del Toro), nos damos varios saltos de tiempo de su vida; estamos en plena revolución cubana, veremos sus encuentros con Fidel Castro (tanto planeando la sublevación en la isla y como compañero de armas), una rápida mirada sobre su rol como enviado de La Habana (luego del triunfo de la revolución) ante la ONU y sus etapas de combatiente, líder, médico, estratega y hombre de este gran (admirado y odiado) personaje latinoamericano.

Este plan fílmico de Steven Soderbergh, es un trabajo loable, recrear la vida de un gran personaje de la historia hispana e internacional. El tema no pierde interés, existe su cuota lograda de acción y se centra bien con el personaje; es el eje de la trama, no hay actores secundarios que le roben cámara. También vemos los iniciales hechos traducidas como secuelas el nuevo rumbo de Cuba después de relevar el mando de Batista y las primeras diferencias entre Che y Castro. Esta explicación se de con la segunda parte, que la veremos aquí en un par de meses; así creo darle un mejor calificativo, pero como adelanto trabaja bien.

Benicio Del Toro, en su interpretación del Che es mas que aceptable, es buena y difícil por caracterizar a toda una personalidad (él mismo lo admite); sin importar la tonalidad de color y blanco y negro, siempre vemos esa figura en todo su realce. El resto de actores que los acompañan también dan su contribución a la obra. Demián Bichir da vida a Fidel Castro, debería ser la dupla mas atractiva del film, pero en esta ocasión debe conformarse con ser el segundo al mando, por así decirlo. La otra figura aunque aparezca casi a mitad del rodaje sea, Elvira Minués como Celia Sánchez, hermana de lucha y una cercana asistente del Che.

La escueta falencia que me da es si este film sea para el masivo publico; gran parte de las nuevas generaciones (y creo en latinoamericanas) desconozcan a esta persona (en la cinta solo se percibe sus acciones presentes y futuras pero no se toca mucho su procedencia o pasado) y su extensa leyenda forjada, bien notada en su mítica fotografía, usada pero no por una real conocimiento de lo que encierra dicho símbolo.

En conclusión, Che: El Argentino (y así esperamos con suficientes augurios su siguiente “segunda parte”, Che: El Guerrillero, cuya trama se enfoca a ver su ascenso al poder y insensata muerte), demuestra que por estas partes de América, tenemos personajes (no muchos pero los tenemos), que se pueden darle vida en el celuloide y mantener su imagen y acciones en la mente de próximas generaciones y aprender (no en su totalidad) algunas de sus virtudes.