CUANDO SE AGITAN LAS AGUAS

Un remake sobre animales que asesinan a las personas y apoyados por la gracia del 3D, se nos presenta: Pirañas (Piranhas 3D), del director francés, Alexander Aja. Esta realización podría pasar algo inadvertida sino fuera por un buen puñado de actores conocidos como: Richard Dreyfuss, Ving Rhames, Elisabeth Shue, Steven R. McQueen y Christopher Lloyd.

Por un temblor producido en las profundidades del lago Victoria, suscita el escape de unas voraces prehistóricas. Muy cerca, una gran caravana de estudiantes universitarios valiéndose de las vacaciones disfrutaran del tiempo libre en dicho lago. ¿Podrá la alguacil, Julie Forester (Elisabeth Shue), controlar a las alimañas acuáticas y a los irreverentes jóvenes abrazados por el jolgorio y un descontrol, no apto para menores?

Alexander Aja, se dio conocer por hacerse cargo de realizar remakes (hasta la fecha no tiene nada propio) y en esta ocasión, su versión de Pirañas, no se orienta hacia el horror o macabro, mas bien es una excusa perfecta para dar rienda suelta a un film cargado de humor negro (y algo tonto), gore al máximo, chicas y más chicas (lindas y desnudas), un mínimo esfuerzo de sentido común y el atractivo (para un determinado público) de la tecnología del 3D.

En realidad Pirañas, fue creada para determinado público, descartada como un aporte serio a la industria; una cinta de fácil digestión, arremolinado de contextos recordatorias algunas películas del género (Jaws o Deep Blue) y las retorcidas secuencias (humorísticas e irrazonables) entre los inocentes humanos y los hambrientos peces.

Los efectos creados en dar vida a las Pirañas, un poco deslucido carente de espectacularidad (incluso las crías de los peces se asemejan al logotipo de Alien 3); al ser un grupo grande de peces su perspectiva es opaca y fugaz.

Así como tenemos un montón de pescados ansiosos, también existen un grupo de actores algunos de ellos, ya curtidos en estas faenas, Richard Dreyfuss (cantando la misma tonada de Jaws); Elisabeth Shue, su papel es el protagónico aunque sin brillo, muy llana (salvo su condición física) a la de cualquier heroína vista en el cine. También aparece, Christopher Lloyd, su interpretación evoca a su atolondrado personaje de Volver al Futuro; al igual que Dreyfuss, su aparición es breve pero bien diferenciada.

Las dos chicas, Kelly Brook y Riley Steele, están incluidas en el metraje, pero su mejor aporte de fama y posteridad (muchachos comiencen las olas) sea su baile acuático, sensual-erótico-morboso-soñado-pecaminoso y envidiado por el sector femenino. Jerry O´Connell, contribuye con una de las mas grotescas muertes en el cine; no creo se deba detallar en extenso sobre estos pormenores, la imágenes hablaran por si mismas.

En fin, film para mentes retorcidas con algunos chispazos de originalidad; la podríamos resumirla en tres palabras: “sexo, mar y sangre”, no coincide en nada con las de: “sexo, drogas y rock ‘n’ roll”; aunque algunos puritanos las creerán como un peligro latente.

ES DOLOROSO PERO MUY DIVERTIDO

Los actores Katherine Heigl y Josh Duhamel, junto al director, Greg Berlanti; realizan el film de corte familiar: Bajo el Mismo Techo (Life As We Know It); una historia blanca sobre como afrontar las vicisitudes de ser responsables de modo personal y grupal.

Esta es la vida de Holly Berenson (Katherine Heigl), dueña de un negocio de catering y Eric Messer (Josh Duhamel) quien trabaja en una cadena televisiva de transmisión deportiva. Ambos son amigos cercanos de Alison (Christina Hendricks) y Peter Novack (Hayes MacArthur), quienes mueren en un accidente, dejando a su pequeña hija Sophie en la orfandad. Así tanto Holly y Eric son citados por la ley, para ser los tutores de Sophie, como última voluntad de los padres; ante esa decisión no será nada gustosa para los “postizos padres y futuros amantes”.

No se le puede exigir mucho a esta comedia, con dosis de drama y romance; es lógico pensar ver a artistas muy cómodos en estos papeles como (Katherine Heigl), argumento divido y orientado a un final feliz, situaciones cómicas no tan elaboradas así como un leve grado de dramatismo; representa el diagnostico sobre este inofensivo film.

Estoy en desacuerdo de ver la elección de ciertos actores haciendo este formato de película (una norma ya muy común en la actualidad) solo probando la empatia o la apariencia de la gran mayoría, en vez de la calidad artística, representa la falencia, tanto como del argumento, algo prometedor sin embargo se dirige a ser muy predecible como cualquier telenovela.

Puede incomodar al ver la película a sus dos protagonistas centrales pasar de una llevadera alegría hacia la tristeza, del amor a la angustia, de la armonía a la intranquilidad; al parecer sus grandes problemas no son tan incólumes, al parecer a los guionistas de este largometraje les cuesta exigir a sus protagonistas, obtener la oportuna reflexión ante los problemas.

Ver a la pequeña Sophie (para este papel usaron trillizas), hacer algunas muecas o diabluras dignas de infantes, no te robaran el corazón (las veces que hacen llorar a la niña en el film es alarmante). Un papel bien raro es ver a Sarah Burns, como la asistenta social, supervisora del futuro de la niña y doctora corazón; la crisis laboral existe pero esto es demasiado. Los dos actores centrales, una es bonita y busca al hombre de sus sueños y el otro un mujeriego hasta el fin de sus días; reconoceré que ambos no juntan un carisma suficiente para al menos sostener una obra semejante.

Si estas pensando casarte o tener un par de niños para alargar el legado familiar, esta será tu opción; pero profesas un credo diferente y si aun crees que eres joven aun, la cartelera es ancha para ver otras perspectivas de la vida, o ser llevado como perrito fiel o afrontar con estoicismo la rutina diaria.

ERRANTE ENTRE LA SOLEDAD, MUY LEJOS DE CASA

En un mundo recreado por la mente de Cormac McCarthy, surge para la pantalla grande: El Último Camino (The Road), un film de sobrevivencia post apocalíptica de un padre y su hijo. Esta realización tiene la mirada del director, John Hillcoat y tuvo el agrado de convocar a interesantes artistas como: Viggo Mortensen, Charlize Theron, Kodi Smit-McPhee, Robert Duvall y Guy Pearce.

Un hombre (Viggo Mortensen) y su hijo (Kodi Smit-McPhee) realizan un temeroso viaje en tierras en el cual las personas (la gran mayoría) ha perdido toda clase de humanidad. Desconfiando de todo, ambas personas intentaran llegar al sur de los Estados Unidos y salvarse de la estéril realidad y de sus radicales habitantes.

La premisa de que el mundo se arruino (de forma natural o intencional), siempre es empleado tanto en la literatura y en el soporte visual, eso es el fuerte de este film, buen inicio, muchas pistas e incógnitas sobre lo sucedido y qué pasara mas adelante; todo eso hubiera quedado redondo pero se queda en un relato marchito y sus sorpresas son escasas. No se reclama que aparezcan platillos voladores, mutantes o terminators; ahí puedo considerar que el director, John Hillcoat no quiso alterar (no ser osado y muy respetuoso) las estructuras de la obra de McCarthy.

Una característica bien fijada sea su exhibición con colores opacos y fríos (el rojo sangre tiene la venia de la gran mayoría), cada travesía de los dos personajes su vista del panorama no es tan alentador (ruinas por doquier, soledad casi perpetua salvo los saqueadores o psicópatas armados), sobrevivir es el mejor legado que le deja el padre a su hijo, aparte lo educa para que no se convierta en un ser irracional.

Viggo Mortensen, es el padre en medio de este páramo desolador, apenas recuerda a su esposa (Theron) que soporto remar contra la corriente, vivir en un mundo sin esperanza de cambio. Su desempeño es noble, se defiende del caótico mundo y de la enfermedad que lo consume por dentro; una frase significativa es al trasmitirle a su hijo que alimente el fuego y que solo ellos son los únicos chicos buenos. Dada la situación lo hace una persona demasiada escéptica. Kodi Smit-McPhee, es el hijo, un recado consignado a que nada le pase o se pudra en el camino; particularmente, viene a ser la contraparte de su padre, pese a convivir en ese gratuito cataclismo, aun tiene ánimo de ayudar y confiar a las personas sea mejor arma disuasiva que el revolver de dos balas de su padre.

Charlize Theron, la esposa que conllevó mejores momentos con su esposo; a medida que los recuerdos son mostrados vemos como ese goce cambia en resignación y desaliento total (aunque tenga un motivo por sobrevivir proteger a su hijo). Robert Duvall y Guy Pearce, con papeles menores los considero: al primero como el percibo en el plano de la meditación sobre el actual estado (si seguimos así a donde iremos a parar) y al segundo la nuevo inicio o esperanza que viene tarde por no hacer una buena pregunta: ¿Puedes confías en mí?.

Ver esta película no debe sorprendernos por su aterrador mensaje profético sobre lo que “le podría pasar al mundo y la humanidad”, solo somos seres humanos que nos diferenciamos de los seres irracionales por un estrecho margen.

UNA LIGERA SONRISA REVELA UN CORAZÓN AFLIGIDO

Hablar del homosexualismo en el cine, se viene volviendo en algo ya muy usual; pero ¿Cuántos films de este tipo recuerdan? (no muchos); en esta ocasión, explicare una película avocada al tema y digna de ser elogiada: Un Hombre Solo (A Single Man), un film de un debutante director, Tom Ford, quien en realidad es un celebre personaje de la firma, Gucci. La inspiración viene de la obra literaria de Christopher Isherwood (1964), también se debe citar las actuaciones estelares de Colin Firth, Julianne Moore, Nicholas Hoult y Matthew Goode.

Estados Unidos de 1962 país asustado por el comunismo y males que aun hoy en día persisten. Allí veremos a George (Colin Firth), maestro universitario de origen ingles, siente una gran pena por la súbita muerte de su pareja Jim (Matthew Goode). Kenny (Nicholas Hoult) un alumno de su clase y la amiga de George, Charlotte (Julianne Moore), intentaran animarlo con sus mejores argumentos al abatido profesor, quien esta cercado por el acto del suicidio, la pena y la melancolía.

Un film bien sugestivo (súbito debut de Tom Ford), nos injerta hacia una época en donde el miedo marcha por dos vías, la primera la amenaza de la Guerra Fría y la segunda los cambios que ensaya la sociedad (las drogas, ideologías y las tendencias); todo eso narrados con mucha mesura, pulcritud (el intento del suicidio), la prodigiosa ambientación de un tiempo sensual e impersonal y finalmente, abordar un tema tabú (entonado con poesía, filosofía y simbología) cómo confesar ante los demás sobre su opción sexual.

Tiren por la borda, que la película se enfoca solo en el tema de liberación homosexual, creo que el director hace su trabajo desde sus propios conceptos y creencias sobre esta tendencia, asistidos con dilemas existenciales del mismo ser humano, saber sobre su destino en esta vida, la búsqueda de la felicidad, afrontar una perdida irreparable de un ser apreciado y como el propio hombre esta en el vaivén de cómo acepta su presencia: en la vida futura, a pasar a mejor vida o alcanzar la vida eterna.

Con actores pocos, pero su presencia es gratificante, el primero es, Colin Firth, el alma asolada por perder a Jim, su vida le es insignificante e intenta encontrar un mejor rumbo, ya no le importa ejercer su trabajo de educador, ni concordar con sus vecinos o amigos cercanos; aunque salgan nuevas opciones él lo entiende como atrayente pero al final no lo acepta. Una gran actuación lleva el peso de la historia, nos muestra sus íntimos recuerdos y la forma de entender un lenguaje de las miradas hacia las personas sea por admiración o afecto.

Julianne Moore, la amiga intima de George, ella siente hundida luego de fallar en sus matrimonios, al igual que George son foráneos albergados en la tierra del Tío Sam una estancia que destila en inconformidad anímica; atractiva pese a su edad, lamenta el hecho de tener a George como amigo en vez de esposo y compañero. Nicholas Hoult, el estudiante interesado por el maestro George, cuando éste convive con sus dudas, el maestro lo vera como un reflejo, lograra entender sus tentativas aunque sea tarde. Matthew Goode, la persona con virtudes o defectos, logro una armonía inalterable (hasta su deceso y la reflexión futura de esa unión) en la existencia de George.

Recomendable desde cualquier punto de vista, mensaje con contenido, caracterización, música (atentos en este campo), lenguaje visual, puesta en escena, se puede pedir mas para tan poco (la entrada y el consumo en el cine), esta película nos indica que con ejemplos los tropiezos que damos, nos sirven en nuestra larga vida de aprendizaje y constante madurez.

PARA GANAR UNA FORTUNA INMEDIATA, TENDRÁS QUE OFRECER TU ALMA.

Creo que unos de los personajes del cine actual con muchas criticas y elogios es sin duda, Ben Affleck, de actor codiciado y ahora (su segundo trabajo) como director del film policiaco: Atracción Peligrosa (The Town). En primera podemos afirmar que esta historia encierra sorprendentes resultados. Aquí tenemos como parte del reparto a Rebecca Hall, Jon Hamm, Jeremy Renner, Blake Lively, Pete Postlethwaite y Chris Cooper; para poner la cereza al pastel esta es una adaptación literaria: The Prince of Thieves de Chuck Hogan.

Doug MacRay (Ben Affleck), forma parte de un grupo de asaltantes de bancos, en unos de sus atracos Doug se enamora de la gerente de uno de los bancos robados, Claire Keesey (Rebecca Hall), puesta como rehén y luego liberada, ella queda en estado de shock luego del asalto. El agente del FBI, Adam Frawley (Jon Hamm), se encarga de las pesquisas, de forma vehemente. Mientras, James Coughlin (Jeremy Renner) increpa a Doug por meditar en desertar del grupo por una mujer. Los hechos ponen a Doug en una difícil ruta de dos caminos.

Para muchos esto vendría a ser una película más de policías y bandidos, seria infame pensar así; este film viene con una buena (y porque no resaltante) elaboración, tanto en la acción (bien recreada, efectiva sin excesos), el argumento pintado con varios matices (gradualmente se mostraran pistas motivos, dilemas, disputas, franquezas y reivindicación) y la construcción vital de los personajes, todos ellos con valor inclusive los breves papeles de Chris Cooper y Pete Postlethwaite. Nada mal para un aun novel director y actor Ben Affleck, por ahora su vena por dirigir esta en un avizorado ascenso y de un esperanzador futuro.

Si esta realización esta basada en un best seller; según la lógica y los registros nos indican que los resultados no son tan alentadores. En esta ocasión, gracias a unos buenos guionistas y a un dúctil director; las consecuciones pueden ser tan asombrosas como la explosión de una caja fuerte de un ilustre banco.

Todos lo actores destacan de buena manera, solo uno destaca por encima de todos es Jeremy Renner, quien interpreta al amigo y colega de trabajo de Doug, es una convivencia bien precisada por el control (respeto), el odio (fracaso) y la lealtad (sacrificio); si creen de los roba cámaras este actor lo hizo por el bien.

Ben Affleck, bien puede ser su mejor papel en muchos años como actor y como ya lo dijimos un director promisorio. La linda actriz, Rebecca Hall, Affleck utiliza muy bien su imagen inocente y frágil, en las tres etapas, durante, después y como sobrellevar su idilio con Doug. Jon Hamm, el férreo agente del FBI presto a todo (aquí Jeremy Renner tiene su otra mitad, solo que éste es de los buenos) para hacer cumplir su trabajo.

Blake Lively, es la adicta y “dama de compañía”, siente que puede coquetear y conquistar a muchos hombres menos a uno (soportando la competencia de Claire), Doug. Chris Cooper y Pete Postlethwaite, con pocas intervenciones vienen a ser los nexos de un pasado oculto en la vida de Doug; son unos viejos zorros que tuvieron su momento de gloria y hoy con una aparente figura de no ser amenaza para nadie.

Esta es película prodigiosa e impactante, un film en donde los malos gozan de la simpatía absoluta pese a los actos que cometan (los Robin Hood modernos). Podemos adoptar un estilo de vida sin dejarnos ser esclavos de esa misma; en ocasiones se puede dar un paso al costado para tomar otro camino y empezar de nuevo, sin que eso encarne un fracaso o caída, esas decisiones pueden ser por circunstancias o por personas especiales.

VOY A DESVALIJAR LO QUE ME CORRESPONDE

Historia de ladrones de alto rango, es lo que nos ofrece el film: El Escuadrón del Crimen (Takers), bajo la mirada del director, John Luessenhop y con muchos actores que interpretan a los astutos asaltantes como: Hayden Christensen, Paul Walter, Idris Elba, los raperos T.I. y Chris Brown. Como los agentes de la ley, están: Matt Dillon, Jay Hernández y la figura femenina de Zoe Saldana.

Esta historia se centra en un audaz grupo de ladrones de bancos, sus robos fastuosos hacen inútil la acción de la policía. Sin embargo, Ghost (T.I.) un anterior camarada que recién cumple su condena de cárcel, sin delatar a sus antiguos colegas. Ahora, Ghost les propone hacer un pomposo atraco; dividirse el botín y así sepultar cualquier antiguo malentendido. Con suspicacias, el audaz grupo acepta el encargo; aunque Ghost no tuvo tiempo de decirles una parte del plan. Así la policía representados por Jack Welles (Matt Dillon) y su compañero, redoblaran sus esfuerzos para atrapar al mentado grupo de codiciosos ladrones.

El esfuerzo del director, John Luessenhop, no es tan balanceado toma la posta mayor por la acción, la trama no es tan ahondada, dilemas existenciales entre los ladrones y los agentes de la ley, la generosa acción es vestida con música rap o mejor dicho melodías que identifican a los chicos malos (ganado por buen pulso), diálogos no muy rebuscados para perderse en un inexplicable cansancio mental con su desubicado final.

Su gran merito como lo dije con anterioridad sea su gran despliegue de acción, muchos la pueden acusarla de exagerada; en mi opinión es un apoteósico espectáculo que debería venir con un aviso, “esto es mera ficción” y no motive a ser ejemplo de algunos angelitos que nunca faltan por ahí.

También es la oportunidad perfecta para que los cantantes intenten hacerse de un lugar en el cine; lucimiento, mera experiencia o quizás ellos mismos se ven, cualidades que nosotros tristes mortales no vemos, eso incluye a los benévolos productores, creyentes seres de libres imperfecciones. Como hablamos de hombres (de barrio) con poder; las mujeres no se quejan sobre sus acciones, así que a Zoe Saldana, no esperen verla con muchas facetas.

Un film encaminado a ver a los villanos como mayores protagonistas de la historia cotidiana, olviden de la diplomacia, estos caballeros están dispuestos a charlar siempre con una arma sobre la mesa, si la propuesta llama su atención es posible que vivas unos minutos mas o (con menos posibilidades) quizas te inviten a ser parte de su decente organización.

SUS EXTERNOS ALARIDOS VAN A ATEMORIZARME

Brendan Fraser, esta de vuelta con su nueva película familiar: Peluda Venganza (Furry Vengeance), en el cual comparte roles con: Brooke Shields, Angela Kinsey, Ken Jeong y Matt Prokop. La dirección corre a cuenta de Roger Kumble.

Dan Sanders (Brendan Fraser), trabaja como vendedor de inmuebles para una mega corporación; como parte del trabajo lleva a su familia a un gran bosque en Oregón; cuyo futuro real será la edificación de modernos lotes de viviendas, sin importar la flora y la fauna del lugar. Sin embargo, la variada fauna del lugar hará frente a Sanders y a la inescrupulosa compañía, en una lucha sin cuartel.

Hablar en extenso sobre esta película seria inútil, ya sabemos la clase de proyectos de Brendan Fraser; muchos de ellos carentes de valor, son productos comerciales y define su público objetivo (niños en primer lugar). De este modo, no falta guionistas poco laboriosos, directores descuidados y alguna productora que no le afecte la vergüenza, mientras existan castos consumidores.

La película utiliza el ya conocido recurso de hacer hablar a los animalitos silvestres, por medio del ordenador, nada asombroso un par de caras gestos o muecas y las bromas estarán garantizadas (eso debió ser un buen un chiste). Hablando sobre ello, el humor es flojo y repetitivo, esa culpa no debería ser una novedad, teniendo en cuenta la cantidad de cintas en la que los animales son las estrellas principales y razona mas que los humanos.

Al menos los animales no tienen la culpa (se les puede perdonar), pero los actores humanos no podríamos decir lo mismo (ver a Brendan Fraser como victima y gritando a cada rato no es una gran faena visual o a Brooke Shields en una faceta olvidable). La única fuerza motriz que cuenta el guión sea su moraleja ecológica, respeta el ambiente, no avales una selva de concreto y cosas así. Sin embargo, la forma en que esa intención es comunicada no es tan elaborada, creo que la fauna de esta película, al menos expresan mejor la idea (a lo Braveheart), sobre ser despojados del sagrado patrimonio.

No quisiera decir que es la peor película de este año, por ahora, la pasare por alto y creo que al menos gana en algo; este film esta producido para observarla con la familia (los pequeños de la casa harán de generales ante sus padres cuando definan que cosa verán durante los fines de semana); un gran dilema será determinar si eso es una victoria o castigo.

ALEJÁNDOSE DEL ÁMBITO MALÉVOLO

Convertido en la nueva sensación de la realización cinematográfica, el género de falso documental, nos vuelve a visitar; esta vez, es el largometraje de terror: El Último Exorcismo (The Last Exorcism); con la dirección de Daniel Stamm; con las actuaciones de Patrick Fabian, Ashley Bell, Iris Bahr, Louis Herthum y como atractivo crediticio en la producción esta Eli Roth, celebre por su contribución en el film, Hostel.

Cansado de ver falsas pruebas sobre exorcismos, el pastor evangélico, Cotton Marcus (Patrick Fabian), junto a un equipo de documentalistas deciden buscar y filmar un caso de estas posesiones malignas. Así llegan a la localidad de Lousinana, en donde, Nell (Ashley Bell), una adolescente que muestra detalles de posesión. El padre de Nell, alentado por la llegada del pastor Marcus, decide que proceda el acto de expulsión del espíritu demoníaco. En primera, la purificación parece tener efecto, pero con el tiempo solo logran hacer que el demonio los arrastre hacia un destino fatal.

Esta producción no se aleja de otras películas como: Actividad Paranormal o El Cuarto Contacto, presupuesto pequeño, uso de la cámara al hombro (alarmante y molestoso), escasos actores, nos dan una cinta que vende (en parte) la posibilidad de tener algo de verdad y con esa pista central; es la mecha perfecta para crear interés y éxito comercial, pero sus atribuciones artísticas denotan que este formato (iniciado con La Bruja de Blair) va hacia un lento descenso.

Como parte del rito, vemos en unos casi cuarenta minutos sin muchas novedades: declaraciones del pastor, su viaje con testimonios y su encuentro con Nell, no puedo dejar de dudar, que cualquiera no pegara un justificado bostezo. No vemos mucho uso de efectos visuales, y los mostrados no resaltan y si quieren otro bostezo son los diálogos, la creación de los personajes y las forzadas intervenciones de estos, hacen que el espectador le de unas porras al lado oscuro.

Capaz lo bueno (por así decirlo) sea la tensión (en contadas escenas y principalmente al final de la historia), el giro (azuzado) de la trama y la presencia actoral (bien atractiva) de Ashley Bell, como la poseída. Desde un inicio, su apariencia inocente va distorsionando a una dualidad (de un no expresado argumento), orientada en ser una farsa mas para dar paso a una premisa impensada.

Un film destinado a incautos y adictos al (nuevo ¿?) género, si esta tendencia continua, su fama de sorpresa que impulso en este mediano tiempo, hará que seamos invadidos de cientos de films de este formato. Conjeturando ese futuro, muchas de esas se volverían mas en ensayos fallidos que clásicos del rubro; solo las primeras cintas que dieron a conocer este nuevo rubro ganaran ese elogio, ojala ese augurio se trunque, y no tengamos que recurrir a un exorcismo.