LOS AFLIGIDOS OJOS DEL HOMBRE RICO, EL CUAL DENIGRA SU MISERIA

Michael Douglas, asoma por nuestra cartelera con: Un Hombre Solitario (Solitary Man); un drama referido a la resignación de la vida ante la vejez de las personas. Con el apoyo de la dupla de directores Brian Koppelman y David Levien, esta realización cuenta con la abanica participación de: Susan Sarandon, Danny DeVito, Mary-Louise Parker, Jenna Fischer, Imogen Poots y Jesse Eisenberg.

Ben Kalmen (Michael Douglas), otrora exitoso magnate del negocio automotriz, su fama se acaba con malas jugadas que arruinan su prestigio. En lo personal, va por el mismo sendero, las felonías acaban su matrimonio con Nancy (Susan Sarandon), y el vínculo con su hija Susan (Jenna Fischer). Con Jordan (Mary-Louise Parker), su falta será aun mas grave. Como aliciente Ben, se reúne con gente joven. Pero la edad y la salud le sacan la tarjeta amarilla y ve cerca la tarjeta roja al no poder reintegrarse al ámbito laboral. La solución para él no es difícil, pero dependerá mucho de si mismo.

Este film nos cuenta como lo dice su propio titulo, la historia de cómo una persona fuera de tiempo, atrapado en su antigua gloria y con su conducta especial se convierte en un repelente para toda persona que conozca. Tanto amigos como familiares, presenta matices diversos en la vida de Ben Kalmen, una liquefacción de conductas de un personaje único en su especie.

Existen temas truculentos en la trama, en que la fama de actor de Michael Douglas, lo hace estar como pez en el agua; aunque a su vez, se le puede ver muy vulnerable, esto no viene por imposición en su rol, quizás sea (llámenlo presentimiento), el padecimiento que atraviesa su actual estado de salud. Una cosa que se percibe es su fría atmósfera, al ver la película no tiene un suceso vital, que nos convenza o satisface hasta el fin de la historia del personaje central.

Con un argumento plagado de vaivenes personales y familiares. El film cuenta con un buen apoyo de actores (y de personajes); otorgándole un adecuado balance de edad y capacidad actoral. Desde los jóvenes Imogen Poots y Jesse Eisenberg (gratas revelaciones), quienes desean aprender cosas (buenas y malas) de una persona experta. Mary-Louise Parker y Jenna Fischer, bien en papeles pequeños, en donde la severidad en sus decisiones, las hacen jugar en un lado muy complicado. Susan Sarandon y Danny DeVito, están aquí por la amistad y una forma de devolver favores con el buen Douglas; quienes disfruten de estos dos actores demás esta decirles están servidos.

Sean enfermedades físicas o mentales, el cual las personas están expuestas, lo conveniente es tratar de encontrar las alternativas que nos lleven hacia un mejor bienestar. La adaptación o el cambio no vienen mal para nadie, siendo estos antídotos tan efectivos contra la renuencia y obstinación.

CONQUISTANDO INSÓLITOS, RAROS Y CHOCANTES DESEOS

Las cosas clásicas están devuelta, con un retoque de actualidad; una versión del cuento (nada puritano), La Caperucita Roja, regresa a la pantalla, bajo el titulo: La Chica de la Capa Roja (Red Riding Hood), dirigida por Catherine Hardwicke (la misma de la saga Crepúsculo), en donde la historia ya no es tan infantil, ni tampoco tan madura.

En la aldea de Daggerhorn vive Valerie (Amanda Seyfried), una joven que está enamorada de un joven leñador Peter (Shiloh Fernández), aunque los padres de Valerie, arreglan de antemano el compromiso de su hija con Henry (Max Irons). Pero aprietos mayores acosan al pueblo, la aparición de un Hombre Lobo durante la salida de la Luna Rojiza, cobra la vida de los aldeanos. Sin opción, los aldeanos traen al padre Solomon (Gary Oldman), experto en lidiar con estas bestias. Noviazgo, Hombre Lobo y un diestro cazador, se las arreglaran para conocerse mejor.

Esta visión de la Caperuza Roja (el termino diminutivo queda de lado), es una versión mas “teen”; en donde la belleza juvenil y apuestos galanes hacen su presencia; habitual si comparamos al otro producto visual dirigido por la misma Catherine Hardwicke, quien junto a su grupo poseen la libertad de innovar, aunque, lo vuelve en un producto muy predecible y melindroso.

Y siendo rutina con la música, fuera de contexto; en plena época se viste las imágenes con modernas melodías (¿?). Algunas tomas se notan de corte de etéreo videoclip o un intento de venderte algo, la capa roja o una visita a esas gélidas regiones o bosques, con lobo incluido.

La estructura argumental mantiene casi todas las referencias del cuento, la chica acosada, la maldición del lobo, su acecho por el hombre, signo del mal y tragedia. También las frases típicas: “ojos, boca y dientes tan grandes”; incluso hay una breve referencia a los “3 Cerditos y El Lobo”. Entre lo rescatable están la inclusión de Gary Oldman; un buen actor que hace lo que puede con su papel. También están, las primeras secuencias de acción, mientras no se vea por completo al lobo,

Un detalle de este film, sea su contenido solapado de escenas de índole carnales (no se entusiasmen), haciendo énfasis de que se esta usando la gran idea de un cuento literario de corte infantil (que también ha sido conducido hacia ese punto); con esto pueden atraer la atención o los gritos (exaltación ¿?, despreocúpense) de los puritanos o de las voluntariosas.

La protagonista Amanda Seyfried, debo insistir, por un lado un poco agraciada para algunos planos de cámara; aunque eso no satisfaga (a muchos) su rendimiento actoral; la belleza y la actuación parecen ser vecinas, pero no cercanas. Los dos galanes Shiloh Fernández y Max Irons, son arquetipos de Crepúsculo; las féminas le darían los premios sin titubear.

Un cuento que insinuo algo prometedor, pero solo logro ensasillarse en un público dispuesto a dar alaridos emocionales. Si esa es la directriz, las otras feminas de otros cuentos ponganse a temblar, contra algo mas temible que brujas o lobos, la intencionada (añadan creida) y renovada adapatación.

ROGANDO Y SUPLICANDO POR ALGO DE SIMPATÍA

Del límite sur de mi país natal, me anime a ver esta película: Que Pena tu Vida, un film basado en una trama romántica y cómica; pero incluye en su repertorio argumental, la tendencia actual de la mayoría de las personas (jóvenes), la tecnología de las comunicaciones.

La vida de Javier (Ariel Levy), es buena al principio, exitoso en su carrera, logra objetivos materiales y el amor celestial de Sofía (Lucy Cominetti). De pronto, el amor por Sofía se diluye. Javier no cede en abandonar su amor por Sofia. Así empezara una debacle emocional y social de Javier; Su único soporte es su amiga, Angela (Andrea Velasco), quien se siente aburrida en que otros obtengan la felicidad y ella no. Uno busca el cariño inaccesible y la otra solo busca afecto, caminos aparentemente opuestos, pero con un mismo destino.

Una forma muy particular de ambientar una historia a lo Social Network, aunque el asunto real es la descripción de un desdichado alarmante en el amor, quien no mantiene por mucho tiempo su bienestar material y emocional.

Las constantes situaciones amorosas y añoranzas vienen apoyadas con el soporte artificial de la comunicación (Internet-Mails-Facebook-Twitter y afines); una manera de síntesis o abreviatura de los estados de ánimo de las personas que en ocasiones expresan coherencias valorativas e insospechadas. Ahora la historia para ser tan simple y sencilla, funciona acorde a las circunstancias exceptuando los momentos en que las vivencias de este sufrido del amor (Javier), resulta algo repelentes.

Asienta la puesta en escena de los chilenos (bien por ellos), su presente estándar de vida, les facilita demostrar las viabilidades de la actual conformidad sin necesidad de envidiar o copiar de mala manera. También se ve la audacia (en el buen sentido de la palabra) en buscar buenos socios (anunciantes) que apoyen o apuesten en su propuesta fílmica.

Los actores bien, desde nuestro angustiado Romeo (quien hace toda la historia) y las mujeres que se les cruza en su vida, unas exhiben habilidades cómicas, sensuales y de vulnerabilidad; una mujer chiflada treintona (Leonor Varela), una intransigente modelo (Ignacia Allamand), su ex-(y por entonces obesa) enamorada (Paza Bascuñan). Tampoco debo dejar de mencionar a Claudia Celedón, como la preocupada y acuciosa madre de Javier, tentada por la modernidad de usos e ideas.

El director, Nicolás Lopez, nos presenta (a modo de confesionario) a tres personas, las cuales nos revelaran detalles sobre cada una de ellas; verdades o mentiras, sinceridad o simulación, no están lejos de ser: spam, fuera de servicio, mi perfil; podríamos traducirlo en un: 'amor sin primera vista'.

SU ROSTRO EXTERIORIZA UN POCO DE CARMESÍ

Hollywood mete la mano con un nuevo remake, esta vez es: Let Me In (Déjame Entrar), el positivo largometraje sueco cuyo nombre real es: Låt den Rätte Komma In, el cual abordaba de una manera original la ya trastocada vida de los vampiros. Ahora la tarea recae en el director, Matt Reeves y de los jóvenes actores: Chloe Moretz y Kodi Smit-McPhee.

Owen (Kodi Smit-McPhee), un chico que le cuesta instalarse a la escuela (y a la vida), siendo victima de abuso de parte de sus compañeros y de vivir en un hogar marcado por la separación de los padres. Pero una noche se percata de la venida de unos nuevos vecinos, así conocerá a Abby (Chloe Moretz), una chica de su edad, algo especial y de mucho misterio; aunque Owen, prefiera quedarse con lo de “algo especial”. A su vez, en la urbe ocurren raras muertes vinculadas a la extracción de sangre de las victimas.

Matt Reeves, le otorga a esta versión fílmica, un ambiente algo más tétrico y misterioso, unido con un adecuado tono emocional de la orquestación de Michael Giacchino. El ámbito del lugar y tiempo, estamos en los Estados Unidos (específicamente en una zona nevada), durante alguna parte de los años ochenta, evidenciados por los videojuegos arcade, noticias y la música del momento.

Tanto Kodi Smit-McPhee y Chloe Moretz, están bien, rarificando cada uno su prometedora promesa para la actuación. Ambos muestran talento suficiente para resaltar sus roles del oprimido (una notoria vulnerabilidad física y emocional) y el otro angustiado (remarcado en su naturaleza engañosa). Viendo esto resulta, una gran duda encontrarle o quitarle meritos al film, las recreaciones son casi las mismas situaciones; quizás se deba por la asesoría del escritor de la novela, John Ajvide Lindqvist, quien a su vez, también estuvo involucrado en la versión original de esta historia.

Entre las deficiencias que le encontré en esta versión, es el enfoque de los adultos. En la original, estos son mostrados como ridículos y tontos. Mientras en esta ocasión resultan inadvertidos, no existen diálogos o secuencias que justifiquen su presencia en la historia. Por parte de los efectos especiales, no están a la altura de las incidencias un trabajo para el olvido.

Difícil decisión para calificarla más, debido a su predecesora. El bien y el mal no enlutan en demasía, el noble corazón de estos infantes; quienes apuestan por un amor imposible o una real amistad. Puntos a favor por su pareja de jóvenes actores; posiblemente los vampiros sean tan inmortales, como se les cree.

POR AHORA ESTAMOS BIEN SEPARADOS

El director, Carlos Saldanha, nos trae una nueva aventura familiar en 3D: Rio, ambientada en el gigante país sudamericano, Brasil y que en su versión original cuenta entre la participación en voces de: Anne Hathaway, Jesse Eisenberg y Jamie Foxx.

Blu es el último guacamayo azul macho de su especie. De pequeño es sacado de su habitad natural y residiendo en Minnesota (EE.UU). Allí Linda lo cuida y cría; con el tiempo se vuelven íntimos amigos. La llegada Tulio, ornitólogo brasileño, induce a Linda a que Blu viaje a Rio, en donde la espera Perla (Anne Hathaway), una ave hembra de su especie; todo por un noble intento de preservar la especie. Esa estancia en Rio, dará a Blu una estancia extraña e inolvidable.

Típico de una producción animada humor algo blanco, abundante musicales, múltiples personajes coloridos. Tenemos una historia romántica del odio al amor. Una publicidad gratuita a Rio de Janeiro, explotando desde lo más vistoso y velando un poco de lo malo, del país de la samba. Eso es en si, todos los elementos que encierra esta aventura digital.

Lo desafortunado al ver esta propuesta es, su demasiada expectativa mientras se desarrolla la trama se distingue lagunas que adormecen a esta realización. Quizás sea la clase de animal elegido como reparto central una ave de color muy pasivo. La fórmula aplicada en Ice Age, bien pudo funcionar pero en esta oportunidad, mas bien la veo como un producto como: El Espanta Tiburones.

En este nuevo campo de la cinematografía (algunos la consideran mas técnica), resulta difícil debido a la enorme cantidad de realizaciones similares, catalogarla como un producto optimo o notable; al margen de las técnicas de ordenador, en esta área, los principales encargados deben poner mas énfasis en elaboración y la edificación argumental. A los que trabajen en Pixar, no pierdan el tiempo leyendo estas líneas; soñar en la creación de un buen mercado competitivo en este emergente ámbito, no es tan complejo y no darle al público comidita de fácil digestión.

Respecto al doblaje correcto nada mas pero se les agradece a aquellas personas en hacer su mejor esfuerzo en esta tarea. El hincapié viene debido a que muchos de los dialectos no se acercan un poco al brasileño o portugués; el motivo de estas líneas, no es exigir que hablen como netos lugareños, al menos imiten un poco para darle un grado de realidad.

Un film correcto y bien fijado para su público especifico. Al menos desearía una realización semejante (e incluso superior), relacionado a mi país de origen, si existe lo que denomino: turismo gratuito, que mejor que aplicarlo a manera de distintivo ante el actual teatro del mundo globalizado.

UN LUGAR DÓNDE USTEDES PUEDEN IMPORTUNARSE

Volviendo a la acción (de mi parte), aunque no diría lo mismo del reciente trabajo del director, Zack Zinder (encargado de los films 300-The Watchmen), presenta: Mundo Surreal (Sucker Punch), una compleja historia en donde se unen y mezclan tendencias, como las de los videojuegos, conceptos de anime, algunas influencias de films de ciencia ficción y una inmensa maquinaria para presentarnos ornamentados efectos especiales.

Ubicada en un difícil ámbito, una chica (Emily Browning), es enviada a un internado mental acusada de asesinato. Allí adopta el nombre de Baby Doll; su estancia en dicho lugar implicara una odisea lúgubre y gris. Sin embargo, por medio de un baile, a modo de terapia o arte para unos. Baby Doll, lo asume como la llave maestra para escapar de esa realidad en la que ella no deseo estar.

Desmenuzando esta realización, entre lo positivo tenemos el uso de los (mas actuales) efectos especiales. El agregado de elementos llamativos en las escenas de acción, peleas con nazis bizarros o tropas de robots en un veloz tren bala. Saliendo de eso, viene lo malo e incluso incomprensible, Zack Zinder, abusa al extremo los efectos especiales y la suma de los elementos llamativos que son los referentes de la actual cultura pop.

Buscarle armonía es un factor extraño e ilógico; las situaciones y acciones parecen ser sacados de alguna mala copia de comics de superhéroes de los noventas. La desproporción y el derroche monetario es expresada en hacer estas cosas.

La trama son stickers de otras películas, principalmente, en que usa la imaginación como ruta de escape; en esta ocasión la salida mas parece un callejón sin salida, en medio de partes acuosas. Todas las actrices en el rol de reclusas y de heroínas, no aportan nada de valor, cara bonita (con algo de retoque), unido con armas de gran poder; disparan y adoptando poses ante la cámara.

Entre los rostros conocidos están: Scott Glenn y Jon Hamm, los casi únicos actores masculinos con cierto protagonismo (o evocación) en la historia apreciada por algunos por ser sexista. También esta Carla Gugino, una actriz competente y de bella figura, por así decirlo, ella participa en una competencia de belleza, quizás la predilección de algunos sea por la carne fresca.

La música que sirve de fondo en las escenas de acción en el film, son remixes y covers de mal gusto, guitarras estridentes, salvo el renombre de Bjork, el resto de las cantantes no tienen la fuerza o calidad de voz, si desean motivar conlleva a la mortificación.

Recomendable para algunos por su espectáculo visual. Los demás minutos provoca al baile de la retirada anticipada; este fandango pasara por otros jurados, mereciendo tener un buen calificativo del voto secreto.